私の継続的な制作シリーズである《けしき（KESHIKI）》というタイトルは、陶磁器の鑑賞において古くから用いられてきた「景色」という言葉に由来しています。釉薬や土が窯の中で高温に融け、予期せぬ化学変化を経て生まれる独特の色彩や質感、かたち。それらは、茶の湯の世界において身近な風景や和歌の情景に見立てられ、「銘」を与えられながら、長く愛でられてきました。私は、そうした「偶然」を積極的に受け入れ、自然や時間の痕跡を私たちの感覚のなかに招き入れる、日本固有の美意識に深く惹かれています。

日本人は古来、移ろいゆく季節や、一瞬の光の変化に敏感であり、桜の散り際や川面の揺らぎに「無常」を見出す文化を育んできました。こうした感性は、西洋絵画に対しても独自の視点をもたらしてきたように思います。たとえば印象派の筆致や絵具の質感（マチエール）を、日本人は美術史的な文脈において捉える一方で、それとは異なる次元――水墨画のにじみ、書の筆跡、陶芸の釉薬が生み出す「景色」に通じるものとして、より感覚的・装飾的に味わってきたのではないか。そうした問いを抱くようになりました。

そしてこの「景色」という感覚を絵画という平面に置き換えることで、西洋絵画が築いてきた構図や意味の枠組みに、異なる余白を差し込もうとしています。絵具のにじみや偶然こぼれた滴、乾く途中で刻まれる痕跡など、制作の過程で生まれる意図しない要素を、あえてそのまま画面に留めることによって、構成の外側にある「無意図」を引き受けています。

モチーフや物語を持たない、不定形な層の重なりや揺らぎと静かに向き合うとき、鑑賞者のまなざしはゆるやかに開かれ、内に眠る記憶や感情が呼び覚まされることがあります。そして、感覚と時間の層が媒介となり、それぞれの心の深層で、個人的な〈景色〉が静かに立ち上がっていくのではないかと考えています。